© Francesca Palazzi

Quel est ton métier ?
Si on me demande ce que je fais dans la vie, je réponds que je travaille dans le théâtre. Mon travail c’est de réfléchir avec des gens pour tenter de regarder les choses différemment et questionner le monde dans lequel on vit. Ça peut prendre plein de formes différentes. Je ne dis pas que je suis « comédienne », car j’évolue beaucoup en collectif. Durant une création, je gravite autour d’un objet spécifique. Je peux occuper différentes fonctions. Ce qui m’intéresse, c’est l’objet qu’on va proposer. Finalement, mon plaisir reste le même que je sois comédienne, metteuse en scène, assistante ou regard extérieur. Je crois que je peux apporter du souffle à différents endroits. Dans le mot « comédienne », j’ai l’impression qu’on entend « interprète ». C’est en tout cas la vision de certains metteurs en scène. Je constate que je n’arrive pas à m’en tenir à ce cadre-là. J’ai trop tendance à mettre mon grain de sel.

Dans ta biographie, on peut lire que tu es actrice, metteuse en scène et que tu mènes également des « projets plus débordants et séditieux »* au sein de différents collectifs. Est-ce que le travail en collectif c’est subversif ?
C’est subversif par rapport aux normes du milieu théâtral. Mine de rien, c’est un milieu qui possède des codes assez figés. Sur un programme, tu lis en premier le nom de la personne qui a mis en scène la pièce et le nom de l’auteur.ice quand il y a un texte, puis vient le nom d’un.e, deux, parfois trois acteur.ice.s. Alors forcément quand on se retrouve à seize pendant deux jours à jouer « Platonov » dans la forêt (collectif CCC, 2022, MeS Mathias Brossard), c’est débordant vis-à-vis du cadre habituel. Dans ce cas-précis, les théâtres partenaires ont dû opérer un agencement spécifique concernant le travail de production et de communication. Et puis il faut emmener le public en extérieur … Alors, c’est débordant ! Je pense aussi au LouX collectif, un groupe au sein duquel je travaille sans pour autant viser la création d’un spectacle. Cette collaboration va donner lieu à des discussions et des rencontres. J’utilise ces deux mots, « débordant » et « séditieux », parce que les groupes avec lesquels je travaille n’ont pas toujours pour objectif d’aboutir à une forme spectaculaire. Le collectif, c’est forcément foisonnant. Et donc débordant. Quand tu travailles en collectif, ta force est décuplée. C’est un débordement dans le sens joyeux et malicieux.

Le Loux collectif « cherche à s’empouvoirer collectivement par l’expérimentation artistique et par la joie » **. Que mets-tu derrière le terme « s’empouvoirer » ?
Je te réponds par une digression. En 2021, j’ai travaillé sur un projet pour lequel j’étais créditée comme metteuse en scène. Il s’agissait d’un texte de Ramuz, « La Folle en costume de Folie ». C’était une commande. Il faut dire que j’ai adoré cette expérience mais, quand j’y repense, je réalise que j’ai proposé un travail collectif.

Dans quel sens ?
J’ai beaucoup travaillé en amont et je suis arrivée avec des directions claires, mais par la suite nous avons vraiment pensé la forme ensemble. C’était une collaboration avec la comédienne Zoé Sjollema, avec Marie Romanens qui faisait les costumes et Benoît Renaudin qui s’occupait de la scénographie. J’avais proposé que la scénographie soit une robe qui émettait du son enregistré. Résultat, tout était intriqué : le costume, la scénographie et le texte. On était obligé de faire ensemble. J’étais la cheffe d’orchestre, mais il y avait un vrai travail collectif. Dans mon coin, je peux faire plein de trucs super mais dès que je travaille avec des gens c’est vraiment « empouvoirant ». Je crois que je suis très forte pour rebondir sur les idées. Toute seule dans ma cuisine, j’ai du plaisir à travailler mais ça a ses limites. Je pense que personne n’a jamais l’idée du siècle. On ne fait que se piquer des idées et je trouve ça plutôt génial. Je parle d’empouvoirement et de joie, parce qu’il n’y a rien qui me donne plus de force qu’une réunion de travail où j’arrive en pensant qu’on va faire « ça » et dont je repars en réalisant qu’on va faire « ÇA » !

© Marie_Romanens

Dans quelle mesure le travail collectif est-il un luxe ?
Si l’on parle de moyens et de finances, la création en collectif est un immense luxe. La question de la viabilité et de l’accès aux institutions est vraiment complexe. Beaucoup d’institutions ont envie de trouver les moyens, mais financer un spectacle avec seize comédien.ne.s – comme c’est le cas avec le collectif CCC – est un vrai défi. C’est donc un luxe lorsqu’on y parvient.

Peux-tu raconter cette aventure du collectif CCC ?
Le tout premier projet du collectif a été mené par Loïc Le Manac’h et Margot Van Hove, qui étaient dans ma promotion à la Manufacture. Iels avaient décidé d’adapter « Le Maître et Marguerite » de Mikhaïl Boulgakov. Un vrai pavé ! On avait travaillé pendant un mois, en été, et on avait joué le spectacle de nuit sur le parking de l’école. C’était hyper joyeux, beau et fort. À la suite de ça, Mathias Brossard – qui faisait partie du groupe – nous a proposé de venir travailler dans le petit village de Lozère où il a grandi. Le but était de monter « Platonov » d’Anton Tchekov. Mathias envisageait de répéter un acte par été, pendant cinq ans. Au début, tu ne te projettes pas si loin. Moi je venais de terminer ma formation. Cinq ans, c’était le bout du monde.

Comment avez-vous travaillé ?
On a parfois l’impression que le travail en collectif dilue les responsabilités. Comme si tout le monde était responsable de tout. Ce n’est pas vrai. Il peut y avoir des collectifs hyper organisés. C’est le cas de CCC. Mathias a décidé de monter « Platonov », il a choisi les gens, fait la distribution et décidé du lieu de répétition. C’est un travail énorme que je ne veux pas flouter. On peut dire que Mathias c’est le chef, un chef hyper à l’écoute. En tant que comédien.ne, tu proposes, tu réinterroges. Tout peut se transformer et s’agencer différemment. On se disait parfois qu’on était comme les assistant.e.s de Mathias. Il nous a fait une proposition à partir de ses capacités, et on venait décupler ses forces. Ce n’est pas toujours confortable. Travailler en grand groupe implique de se coltiner des discussions, aller faire les courses, faire à manger, vider les toilettes sèches, etc. Je pense qu’il y a des gens qui préfèrent travailler dans le théâtre, avoir leur loge, aller « faire leur scène ». Je peux comprendre ça, mais avec CCC c’est vraiment autre chose.

Y a-t-il eu des moments où tu as eu des doutes par rapport à ce fonctionnement collectif ?
Pour la création de « Platonov », on a vécu à seize dans une maison sans électricité. C’était fatiguant ! Il y a des moments où je me suis dit : « Là, ce serait quand même cool si tout le monde avait un vrai matelas ». Et puis, je suis toujours à me questionner sur les manières d’améliorer le fonctionnement collectif. Mais sur le fait de travailler ensemble, je n’ai pas de doute. Ça demande une énergie folle, mais je reçois énormément en retour. J’ai beaucoup plus de doute sur le fait de travailler dans une boîte noire, où on recrée des lumières, etc. Récemment, Géraldine Chollet m’a fait réaliser la différence entre la vitalité et l’énergie. Un projet ne doit jamais atteindre à ta vitalité. Il peut te fatiguer. Parfois, la dernière semaine tu dors à peine. Il faut déplacer du matériel, on est souvent en retard, mais c’est joyeux ! Tu finis à 2h00 du matin en buvant une bière et tu te dis : « Allez, on va faire une petite sieste et après ça repart ». Parce ta vitalité, elle est là. Ta fiole d’énergie est parfois à zéro, mais la vitalité doit
rester. Ce qui ne va pas, c’est un projet qui te rend triste, dans lequel tu te sens mal. Ça, je n’en veux pas et je ne le souhaite à personne.

© Timothée_Zurbuchen

Plusieurs des projets auquel tu participes porte la mention « création collective » ou « écriture collective ». Qu’est-ce que cela veut dire pour toi ?
Une écriture collective, ce n’est pas facile. Avec le collectif CLAR, on était ravi.e.s de trouver un texte pour notre deuxième spectacle. Pour la première création, intitulée « On s’en ira » (2020), on s’était dit qu’on avait envie de faire un spectacle sur ce qui peut se passer durant un repas. Pour écrire le texte, on est allé manger chez des inconnu.e.s. Nous avions écrit à des gens qu’on connaissait en leur proposant de nous mettre en lien avec des gens que l’on ne connaissait pas. Puis on est allé manger chez les personnes qui avaient répondu positivement à notre appel, et on avait enregistré les conversations. Puis, on a tout retranscrit. À partir de ce texte, on a organisé une dramaturgie selon les moments qui nous tenaient à coeur. La matière enregistrée est devenue un verbatim qui a ensuite été rebrassé au plateau pour raconter une histoire.

Avec le collectif CLAR, les artistes prennent en charge aussi bien le jeu que la mise en scène. Comment faites-vous pour jongler avec ces deux casquettes ?
On fait toujours en sorte qu’il y ait quelqu’un.e en regard. On réfléchit ensemble, puis on fait des tests scéniques où l’un.e de nous reste à l’extérieur pour regarder. « On s’en ira » porte les
traces de ce fonctionnement. Dans le spectacle, il y a peu de scènes où l’on joue vraiment les quatre en même temps. Plus tard, lorsqu’on a créé « Pile ou face » (d’après le texte de Catherine Colomb, 2024), nous avons demandé à Marion Chabloz de collaborer en tant que regard extérieur. Elle venait une fois par semaine. Nous avons continué cette méthode où l’on testait des choses avec l’un.e de nous qui restait à l’extérieur, mais nous savions qu’en fin de semaine nous pouvions être juste comédien.ne.s. Au final, c’est Marion qui organisait les choses pour que cela fonctionne scéniquement.

Est-ce que vous inventez des méthodologies de travail en fonction du projet ?
Complétement ! Je crois que c’est aussi ça qui m’intéresse dans le collectif. Tu dois tout le temps créer une méthodologie. En fait « le collectif » ça ne veut rien dire. D’ailleurs, on a souvent une image biaisée de ce fonctionnement. On pense que tout le monde fait tout en même temps. Ce n’est pas vrai. Par exemple, le collectif CCC a un fonctionnement hiérarchique. Il n’empêche que les projets de cette compagnie sont collectifs. C’est-à-dire qu’on est toujours en train d’inventer ou de réinventer la façon dont on travaille. C’est ça que je trouve intéressant.

Quel rapport entretiens-tu au documentaire, à l’autofiction, et plus largement à la matière tirée du réel ?
J’adore parler avec les gens. Depuis longtemps, j’enregistre les personnes que je rencontre. Quand un gars vient me parler du complot sur un quai de gare, je demande à l’enregistrer. J’aime garder une trace sonore comme on ferait des photos. Je pense que c’est tellement important de se parler, de parler à des gens qu’on ne connaît pas, à des gens avec qui on n’est pas d’accord. C’est vraiment très personnel, mais je pense que si on vire à ce point dans les extrêmes sur le plan politique, c’est parce qu’on se cantonne à parler aux gens qui sont d’accord avec nous.

Est-ce le constat qui a motivé le projet Radio Maupasse ?
Radio Maupasse est née durant la pandémie de 2020. Avec Marie Romanens, nous vivions dans un appartement situé rue du Maupas, à Lausanne, et il y avait plein de gens qui passaient dans notre cuisine. Il s’y disait des choses tellement importantes, belles et nécessaires que nous avons voulu en garder la trace, leur donner un écrin. Je me souviens de cette voisine qui disait se sentir seule et que c’est la raison pour laquelle elle ne supportait pas le bruit dans l’immeuble. Elle nous avait confié que le bruit la renvoyait à sa solitude et j’avais trouvée ça tellement beau, et important. Ça m’intéresse beaucoup plus que quelqu’un.e qui fait de la politique et qui a une parole publique. Souvent, les gens qui parlent publiquement parlent des autres. Je me sens touchée par les personnes qui parlent d’elles. Radio Maupasse c’est donc
un dispositif de récolte de paroles brutes – des paroles qui ne sont pas forcément traduite médiatiquement – et que nous relions entre elles. À l’occasion de différents événements, nous nous installions avec un bus et nous faisions monter les gens qui souhaitaient enregistrer quelque chose. On discutait d’abord avec la personne, puis on la laissait seule pour qu’elle puisse s’enregistrer. Ensuite, nous faisions un montage. Garder la trace de ces témoignages, les mettre en relation, c’était aussi une manière de créer du lien. Une sorte de communauté éphémère … Une communauté basée sur la conviction que tout le monde à quelque chose à dire. C’est un projet auquel j’aimerais beaucoup consacrer à nouveau du temps.

Quelle différence entre interpréter ce type de texte, écrit pour toi, et un rôle comme celui de Sacha dans « Platonov » ?
La première chose à laquelle je pense, c’est que mémoriser les vingt pages de textes de « Intolérances&Paralysies » ce n’est pas la même chose que d’apprendre les quatre répliques de Sacha dans le premier acte de « Platonov ». Pour le personnage de Sacha, j’étais nourrie par l’histoire imaginée par Tchekov, mais aussi par la présence de la forêt et par l’expérience collective. Avec « Intolérances&Paralysies », c’est ce texte mâché pendant des semaines qui vient me nourrir. Jusqu’à me hanter un peu ! Je pense que j’aborde ce nouveau projet sous l’angle du texte, alors que j’ai davantage abordé « Platonov » sous l’angle de l’expérience.

(*) Biographie publiée sur le site de la Manufacture-Haute Ecole des Arts de la Scène, consultée le 12.09.2025, https://www.manufacture.ch/fr/1583/Chloe-Lombard

(**) Biographie publiée sur le site de la Manufacture-Haute Ecole des Arts de la Scène, consultée le 12.09.2025, https://www.manufacture.ch/fr/1583/Chloe-Lombard

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