Le moelleux d’un fauteuil rouge de théâtre a des vertus de madeleine de Proust. C’est dans ce repaire capitonné que ressurgissent mes souvenirs de deux stars du répertoire classique, ramenées dans le feu de l’action par leur interprète commun ; Alain Borek.
Dans une adaptation succulente de Don Juan par Christian Geoffroy, il campait un Sganarelle alerté, tout entier dévolu à ouvrir les yeux et les oreilles alentour, concentrant les foudres du dilemme tragique tout en réjouissant les spectateurs à chacune de ses éruptions scéniques.
Récemment, dans une adaptation de Sandro De Feo, il boxait la perfidie des intimes. Fier Othello trompé par le fiel de Iago, il laissait bientôt paraître sous sa peau d’amoureux craquelée de doutes, celle du « monstre aux yeux verts » shakespearien.
Par deux fois, je l’ai donc vu jouer l’amitié mise à l’épreuve. Et s’il incarne merveilleusement les intègres, c’est sans doute parce qu’il ne fait rien à la légère. Ludique évidemment, mais surtout éthique, subtilement.
Alain-comédien met aussi en scène ses propres fables. Il y dépoussière des schémas ancestraux en les convoquant dans l’ultra-présent. Parfois, il les catapulte même dans l’avenir.
“Quel sort jetez-vous ce soir à Boucle d’Or Messieurs-Dames ?” questionne l’artiste aux boucles brunes. Ses spectacles à choix multiples font rayonner l’épilogue de mille possibles, comme autant de projections de notre « Vivre ensemble ».
Roi de l’impro, il saute en permanence dans l’incertitude d’un futur qui s’écrit en temps réel. Ne pas balbutier aujourd’hui ce que l’on convoquait hier pour mieux se projeter dans ce que sera demain, n’exclut pas de construire des visions collectives concrètes.
Et si la fin du monde nous rattrape, quelle société fabriquera-t-on ailleurs ensemble ? Avertissement au public : toute extrapolation initiée depuis le plateau sera explorée en complicité avec le public.
Le moelleux de mon fauteuil rouge me rappelle aussi le salon cosy et la détente de notre digression rétro-futuriste. J’ai vite compris qu’Alain aime soulever des questions qui appellent un positionnement clair. Thé noir ou bière-chips ?

Quel(s) événement(s) passé(s) ont inspiré votre carrière actuelle ?

– Mon goût pour les choses ludiques m’a naturellement mené au théâtre. J’aime inventer des jeux. Plus jeune, j’ai fait beaucoup de jeux de rôle, de jeux vidéo, je faisais de l’impro au collège. À 12 ans, j’ai commencé des cours de théâtre à l’école de Gérard Diggelmann, qui fait clairement partie des rencontres déterminantes. Il ne regarde pas seulement ce que tu fais, mais aussi qui tu es pour établir une relation pédagogique différente avec chaque élève. Il est franc et a su pointer mes forces et mes faiblesses. Spontanément, il me renvoyait quelque chose d’encourageant, évoquait ma qualité de présence. Je savais que c’était sincère parce qu’il ne fait pas semblant. Je l’ai vu dissuader des gens.
Plus tard, entre 18 et 22 ans, j’ai écrit quatre spectacles avec un ami, Sylvain Renou. Nous les avons d’abord joués en duo puis y avons intégré d’autres ami·es. Sylvain a vu en moi un “truc” que je ne percevais pas. Lui aussi m’a boosté. Il était moteur, du genre à réserver la salle alors que nous n’avions pas commencé à écrire. Artistiquement, je trouve stimulant de fonctionner avec des échéances. Le rendez-vous favorise le processus. Plus nous jouions, plus j’éprouvais du plaisir à affiner ma partition, et Sylvain de moins en moins. Ce n’était pas son truc de rejouer le même texte soir après soir. Il s’est orienté vers le cinéma et l’improvisation. Et moi, grâce à lui, j’ai découvert mon plaisir à peaufiner un parcours de jeu.
À la Manufacture* (2006-2009), j’étais plus sensible aux approches pédagogiques attentives à la gestion d’équipe et à l’harmonie entre les différents corps de métiers qu’aux esthétiques portées par les intervenants. Est-ce que l’atelier a engendré un objet artistique incroyable ? Avec le recul, je crois que je m’en fichais un peu. Dans ce cadre, j’ai énormément apprécié Lilo Baur qui individualise son enseignement mais conserve une distance pudique avec les élèves. Elle travaille dans le plaisir tout en étant rigoureuse et sait entretenir l’envie collective de travailler, sans mystifier et sans souffrance.
Andrea Novicov a beaucoup compté pour moi. Ma promotion a suivi un stage puis fait un spectacle de sortie avec lui. Andrea transmet des outils concrets de type actors studio*. Il se stimulait à notre contact et revenait chaque jour avec des propositions différentes pour nous permettre d’évoluer. Ce qu’il nous a transmis me reste aujourd’hui encore, non seulement pour jouer, mais aussi pour diriger des comédien·nes. Il se concentre sur le rythme général du spectacle pour tenir le public en haleine jusqu’au bout. Et le rythme, ça me parle (j’ai fait de la batterie). Il cerne bien la différence entre pathos et émotion, le tempo auquel tu dois régler ton jeu. C’est quelqu’un qui travaille sur la musicalité du théâtre.
Dans un tout autre style, j’ai adoré l’intervention de Krystian Lupa. À l’inverse, lui se concentre sur l’intériorité du personnage, son background et propose une lecture psychologique totale du drame. Il construit sur la base d’impros-fleuves et répète parfois 8 mois en Pologne pour monter un spectacle. Je me souviens de séquences d’improvisation de 30 minutes qu’il était capable de nous restituer en détail – son traducteur traduisait en direct – en identifiant les différents virages psychologiques, précisant à quel genre de personnage notre proposition le renvoyait. C’était fascinant de l’écouter. Un surdoué de la psychologie ! Sa méthode permet de conscientiser et d’affiner ton personnage ; d’ouvrir davantage une faille, de pointer un trait de caractère. Il s’intéressait au « qui ». Qui est cet être humain ?
Jean-Yves Ruf et son postulat de détente m’a apporté une précieuse confiance. Quand tu es acteur et que tu as, face à toi, un metteur en scène détendu, ça change quelque chose de radical dans le système, mais vraiment. Les metteurs en scène stressés peuvent bloquer les acteurs. Avec Jean-Yves, nous faisions le chemin ensemble. C’est quelqu’un de très fin.
La Belge Ingrid Von Wantoch Rekowski m’a également marqué. C’est une iconoclaste qui joue avec les références picturales. Nous avons travaillé avec elle sur un oratorio classique, aux côtés de quatre chanteur·euses. Placés dans une sorte de cadre, nous composions des fresques baroques vivantes avec nos corps. Nous avions un trajet physique précis, des codes gestuels, mais pas de texte. Elle incarne une figure d’autorité inspirante à mes yeux. Pourtant, elle ne faisait jamais de discipline. Elle conservait un calme olympien, mais les jours où nous étions dissipés, elle nous jetait simplement son regard déçu. Cela suffisait à nous rappeler à l’ordre. À la fin du travail, alors que nous étions chez elle à Bruxelles, elle nous a fait à chacun·e un long retour généreux et spécifique. Elle n’était pas bavarde mais très observatrice. Et même si nous n’avions pas la parole sur scène, nous étions tout sauf des objets à ses yeux. Pour moi qui suis sensible au leadership, elle fait office de maestra. Beau pied-de-nez aux représentations de leadership archaïques, dominateurs et masculins.
Autre évènement marquant : en 2007, je vais rendre visite à ma copine de l’époque qui habitait Paris. Nous décidons d’aller voir une pièce au Théâtre de la Bastille sans vraiment savoir ce dont il s’agissait et en débarquant à la dernière minute. À peine assis, j’ai été saisi par la vivacité des interprètes, pris dans un état de jeu et de détente mêlés. Ils nous regardaient, ils digressaient, il y avait de la lumière dans le public. Les textes de Thomas Bernard devenaient tour à tour hilarants, effrayants, touchants. Une véritable révélation ! Ce n’est qu’en voyant l’affiche au sortir de la salle que j’ai compris que nous venions de voir les fameux tg STAN. Voilà pourquoi j’avais tellement entendu ce nom ! Depuis, pour moi, tg STAN c’est un peu comme un groupe de rock ; je vais voir tous leurs projets. Damiaan De Schrijver, l’un des fondateurs et acteurs fétiches de cette troupe flamande, m’a influencé à plusieurs niveaux. Son plaisir, sa détente, son charisme, sa malice : je suis fan !
En 2016, je suis parti cinq semaines à Chicago suivre une formation en impro selon la méthode anglo-saxonne. En Suisse romande, on suit majoritairement l’école montréalaise-francophone. Les anglo-saxons empruntent une autre porte pour entrer dans l’impro. Là-bas, j’ai découvert un duo américain ; TJ and Dave. La lumière s’éteint, se rallume, le silence se fait. Ils prennent une position, se regardent et c’est parti ; tac une réplique, tac une réplique. Ils composent une série de personnages à la psychologie étonnamment étoffée pour de l’impro ; singuliers, originaux, des mignons, des loosers, des fragiles, des femmes. En sortant de la salle, je sautais partout et me sentais léger. Un vrai exemple de liberté de composition de personnages et d’intérêt pour le « qui », comme avec Krytian Lupa.

En quoi cette méthode anglo-saxonne diffère de la méthode francophone?

– L’école francophone se concentre sur le récit. Assez vite, apparaissent les enjeux que les protagonistes doivent suivre pour mener leur quête narrative. On se lance en improvisation avec l’idée que l’histoire doit avancer. L’école américaine part des personnages, des relations entre eux et développe des scènes qui se succèdent, avec plus ou moins de lien. J’aime les deux styles. Par exemple, lorsque nous jouons C’est tes affaires ! avec Tiphanie Bovay-Klameth, Odile Cantero et Loïc Valley, il y a une promesse narrative. Et, Odile et moi avons un duo qui travaille différemment. Là, nous improvisons en temps réel en proposant de traverser plusieurs personnages, des sujets, des psychologies, des gens mais pas une histoire. En Suisse, j’enseigne la méthode anglo-saxonne, parce qu’elle est méconnue.

Quels sont les esthétiques ou genres théâtraux qui vous influencent?

– La manière d’individualiser la représentation et d’utiliser des procédés ludiques pour parler de choses graves des Rimini Protokol a très directement nourri ma méthode. Quand je vois leur travail, je pense : « j’aurais aimé le faire moi ». Je pense aussi à l’expérience singulière de spectateur qu’offre Marion Duval avec ses propositions clivantes. Je vu tous ses spectacles, certains plusieurs fois. Ils activent notre responsabilité individuelle par son regard et sa manière d’être là. Aussi insupportables, obscènes, excessifs soient ses personnages, quand elle joue, je suis complètement là aussi. Au point que cela pourrait durer 4 heures, je ne m’ennuierais pas une seconde. Moi, je suis accro. J’y vais les yeux fermés, je ris et après je suis en crise car elle me fait vivre des choses fortes. En plus, je la connais à la vie et je sais que c’est quelqu’un de bien.
Mon premier spectacle de l’argentin Rodrigo Garcia a été un choc. J’en ai vu beaucoup par la suite sans hélas toujours retrouver cet état. Il créé un rapport sacré à la représentation et me ramène à l’essentiel de ce qu’elle véhicule. Dans son esthétique théâtrale, tout est important, tout a une valeur. J’ai des souvenirs d’odeurs ; de lessive notamment. Ce genre d’univers me stimule. Et puis j’aime son écriture ; je lis parfois des extraits juste pour me faire plaisir. Je crois que je suis profondément touché par sa façon d’être au monde, par son mal-être.
Pour créer, il faut éteindre son égo, l’endormir pour se libérer de la pression du « qu’est-ce que je pense que les autres vont penser ? ». T’es mort quand t’es là-dedans. La musique m’aide à m’extraire de ces pensées parasites. Elle m’aide à me foutre de tout et à me retrouver. Musicalement, j’aime les transes rythmiques irrégulières, les longues compositions qui se développent lentement, les musiques puissantes. Ça englobe les esthétiques musicales d’un groupe de metal progressif comme Tool, le groupe allemand de folk expérimentale Heilung, mais aussi les œuvres du pianiste zürichois Nik Bärtsch, le R’n’B où l’instrumentation est lourde avec des voix féminines ou masculines cristallines très aigües.

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