© Siegrist Janice

Vos 1ères impressions de La Manufacture* ?

Réussir à intégrer une école m’a rassuré, comme si cela venait valider le fait que j’avais quelque chose à faire dans ce domaine. Encore balbutiante, La Manufacture offrait un cadre expérimental et familial qui me convenaient. J’étais persuadé d’y acquérir la technique qui me manquait. Ce n’est finalement pas ce que j’y ai appris, mais la formation dispensée octroyait une vraie place à la créativité des élèves. Les trois ans que j’y ai passés furent exceptionnels. Je les compte parmi les plus belles années de ma vie ; tellement intenses et déboussolantes. Je me sens privilégié d’avoir pu accéder à autant d’informations, de gens, de façons différentes de penser. J’ai aussi versé beaucoup de larmes et traversé quelques remises en question, mais j’ai su conserver la distance nécessaire pour trouver l’équilibre entre me donner corps et âme et garder mon sens critique. J’avais 24 ans et j’intégrais La Manufacture avec un bagage universitaire en Lettres en poche. J’étais donc prêt.

Quelles sont les 1ères personnes qui vous viennent en tête quand je dis « rencontres de théâtre déterminantes » pour vous, en tant que comédien ?

Je répète actuellement La Politique du pire, un spectacle pour lequel j’ai demandé à Christian Geffroy Schlittler et Barbara Schlittler – avec lesquel.le.s je travaille depuis longtemps – de m’accompagner. Christian a mis en scène notre spectacle de sortie lorsque j’étais étudiant à La Manufacture. En terme de jeu, il défend une authentique singularité. Avec lui, beaucoup de choses sont possibles. Il est venu bousculer mon côté bon élève, mon éducation bourgeoise, mes éternels questionnements sur l’appartenance ou non à la norme, mon rapport à la morale en déplaçant la question du bien faire et du mal faire. Christian m’a permis d’aborder une forme de radicalité, de bousculer les cadres. En bref, il m’a non seulement beaucoup appris mais également donné confiance, ce qui est, vu mon caractère, une vraie gageure.

Aujourd’hui, je l’invite à me regarder et me guider. J’aime jouer pour lui parce que je me retrouve dans la provocation à un endroit où nous convergeons. Nos envies de travailler la forme se rejoignent, et comme y a chez lui une grande part de réflexion, nous nous entendons également intellectuellement. Il stimule mon désir de comprendre et satisfait ma part cérébrale. Cette dimension n’exclut pas qu’en matière d’interprétation, le jeu reste totalement libre. Nous ne versons pas du tout dans un théâtre intellectuel mais aimons allier les deux pôles. Comprendre une forme, mettre des mots sur ce qu’elle représente permet de raisonner autour d’elle, puis de la traduire. Christian m’a appris comment passer de la compréhension à l’acte et sa façon de faire est hyper excitante.

Je pense aussi à Tiago Rodriguez, rencontré il y a 3 ans, comme une autre personnalité déterminante dans mon parcours de comédien. Lui aussi m’a donné confiance sur scène. Tiago dit à ses ses acteur.ice.s : « je ne vais pas faire ingérence. Tu sais te tenir, tu sais jouer, tu sais articuler une pensée ; c’est ton job », et il ne se mêle pas de ton job. Il a une autre démarche ; il est auteur et écrit pour les acteur.ice.s. Plus que de te mettre en scène, il te guide dans une façon d’interpréter le texte, il suggère des choses mais laisse une immense liberté. J’aime cette grande part de liberté, parce que je ne sais pas très bien refaire exactement à chaque représentation la même chose. Je m’ennuie vite.  

Un beau jour, vous vous lancez dans une 1ère mise en scène, puis une 1ère expérience d’écriture. Quels souvenirs en gardez-vous?

J’ai fait ma 1ère mise en scène enfant, dans mon salon. Il s’agissait du Jeu de l’amour et du hasard de Marivaux, dont nous avions récrit le 1er acte en modernisant l’histoire. Ma soeur jumelle et des amis jouaient les différents personnages. La doyenne du cycle nous a proposé de le présenter dans l’enceinte de l’école. Je me souviens avoir dû convaincre tout le monde de reprendre, notamment ma soeur qui en avait bavé, la pauvre. Je la remercie encore aujourd’hui d’avoir été si vaillante. D’ailleurs, je suis sûr qu’elle aurait fait une bien meilleure comédienne que moi.

Quant à ma 1ère expérience d’écriture, elle remonte à la création de mon 1er spectacle professionnel, Sauna, au Théâtre du Loup. J’avais écrit des scènes, mais les comédien.nes les ont rapidement recalées, ce 1er lien avec l’écriture fut donc ambivalent. Comme je suis un comédien qui aime inventer, j’imagine qu’il en est de même pour les autres. J’ai néanmoins la conviction qu’une idée tient parfois en impro, mais il faut, sur cette base, quand même écrire de véritables scènes. Quand l’improvisation rencontre le contexte dramaturgique général, elle doit subir une transformation, mais il est difficile pour les comédien.ne.s de transformer la matière depuis l’intérieur. Il faut revisiter et récrire la matière trouvée au plateau depuis l’extérieur, pour que les interprète puissent ensuite pleinement se l’approprier. Je conçois des spectacles dans lesquels l’acteur.ice est à la fois totalement créateur.ice mais accepte aussi de se faire l’interprète de la matière proposée. Cela me semble le meilleur compromis possible avec l’intelligence collective.

J’essaie aussi de rendre les acteur.ice.s attentifs et réceptifs, comme des chambres d’écho.

Le socle textuel de mon spectacle D’après est un roman qu’une bande d’acteur.ice.s radiophoniques des années 50, passe à la moulinette, pour en tirer une pièce. Cette double mise en abime était un merveilleux challenge théâtral et une formidable occasion d’adaptation.

Pour Les luttes intestines, l’écriture s’est entièrement construite sur l’improvisation.

Quelles sont les 1ères choses auxquelles vous pensez quand vous êtes dans la position de mettre en scène des comédien.ne.s ?

Comme je l’évoquais tout à l’heure, je suis un acteur qui a besoin d’être mis en confiance. La confiance me permet de faire énormément de choses. À l’inverse, je perds mes moyens si je me sens insécure. Je veille donc à plonger à mon tour les comédien.n.e.s que je dirige dans un climat de confiance.

Ensuite, pour guider l’interprétation, j’aime prendre des chemins détournés. Intimer à un.e acteur.ice de faire ceci, ou de se placer là ne rime à rien. Un interprète a besoin de comprendre. Il a aussi besoin de s’approprier les indications de jeu. Il est fréquent qu’on ne comprenne pas immédiatement ce que demande le metteur en scène. Plusieurs semaines plus tard, grâce à la compréhension qu’offre le corps, l’information est digérée. Alors seulement, l’indication donnée par le metteur en scène appartient aux comédien.ne.s qui se l’approprient. Ce n’est pas une question d’ego ou de paternité, mais un processus naturel. Il faut s’emparer des choses, puis les assimiler organiquement pour pouvoir les jouer. Un interprète a besoin de résister au départ. Cela me semble naturel. Il lui faut parcourir son propre chemin pour faire sienne l’indication de départ.

Je pense aussi qu’il est essentiel de savoir comment fonctionnent les comédien.ne.s avec lesquel.le.s tu travailles pour pouvoir les aider. Chacun.e. est différent.e. Il faut évidemment parler pour toutes et tous car il est important de faire collectif en répétition. Parallèlement, il faut conserver la conscience que tout le monde n’entend pas la même chose, sans jugement de valeur.

Selon moi, jouer c’est trouver la bonne distance, avec son propos, son personnage et le public. Il s’agit d’une distance à la fois physique et intellectuelle qui permet au phénomène de manipulation consentie sur lequel repose le théâtre, d’agir. Je fais semblant d’être quelqu’un qui croit à ce qu’il dit face à des personnes informées de l’imposture. Qui dit manipulation, dit responsabilité. En tant que comédien.ne, dois-je adopter une posture naïve, sans aucune distance ? Dans ce cas, je donne à voir les émotions ou intentions au 1er degré, ce qui limite la portée intellectuelle du jeu. Je crois plutôt qu’un.e comédien.ne dialogue sans cesse avec lui-même et avec la conscience de ce qu’ielle fait sur scène pour construire son rôle.

Jouer, c’est jouir des choix d’interprétation faits.

Et puis, jouer relie l’acteur.ice à l’hyper-présent puisqu’ielle doit dialoguer avec ce qu’ielle compose sur le moment, tout en réussissant à s’abandonner. Ce parallélisme ancre intensément dans l’instant. Personnellement, en tant qu’acteur, je me lasse vite. Reproduire tous les jours exactement la même chose ne m’intéresse absolument pas. A contrario, la remise en question du jeu dans le vif du présent, peut produire des moments géniaux. Être entièrement là, ici et maintenant, est, me semble-t-il, la moindre des choses que l’on doit aux spectateur.ice.s qui se sont déplacé.e.s au théâtre.

Mélanie Foulon, David Gobet et Alain Borek dans le spectacle “Toute intention de nuire”©Dorothée Thébert

Dans vos spectacles, les acteur.ice.s dévoilent d’abord une 1ère couche, puis vient l’ambivalence, propice à questionner la notion de vérité et à travailler sur la sincérité de ce que est dit, au moment où cela est dit.

Je préfère soulever les questions que d’asséner des convictions. D’ailleurs, j’en ai peu. Défendre une position unique sans exclure le débat me semble difficile. Les positions médianes qui se rapprochent de nous, par la gauche ou par la droite, sont, pour moi, plus difficiles à écarter que les avis radicaux. Personnellement, les positions extrêmes m’intéressent peu, sans doute parce qu’elles me semblent d’office intolérables. Adopter une position extrême nous arrange souvent par la résolution binaire qu’elle propose. Cette solution est donc plus facile que l’effort qu’exige le fait de considérer plusieurs points de vue. Dans mes spectacles et dans la vie, j’ai besoin de questionner la limite de l’acceptable. Comment ne pas développer un mépris de classes ? Comment ne pas m’enfermer dans des réflexes communautaires ? Comment gérer le fait d’être un bobo à qui tout sourit ? C’est vrai, j’ai la position d’un privilégié et je le sais, mais j’essaie d’en faire quelque chose, pas nécessairement dans un engagement militant, mais autrement.

Par l’activation du doute ? Est-il, selon vous, un moteur d’intelligence, dans la mesure où il reconnaît l’existence d’un point de vue qui n’est pas le sien propre, soit pour l’affirmer ensuite, soit pour le remettre en question ?

Oui. Peut-être que ce n’est pas bien vu de le dire aujourd’hui, mais ne pas avoir la certitude de ce qui s’énonce me semble important. Bien sûr, il y a des choses à ne pas dire sur scène et certaines limites à ne pas dépasser, mais il me semble sain de croiser les points de vue, avis ou opinions afin de se demander ce que l’on en fait. L’ambiguïté fait énormément travailler, même si certaines idées nous révoltent. Ne pas entendre est la très mauvaise solution. Nous mêmes sommes très puissants dans la manipulation. Sans le savoir, nous sommes retors, complexes. L’intelligence humaine à l’oeuvre prend plusieurs formes. Si tu te considères comme le gentil, tu ne te remets jamais en question. Alors oui, créer le doute est bien, mais j’essaye toujours d’avoir la délicatesse de rendre la forme finale accessible à tous car je considère que nous fabriquons des spectacles pour le public.

L’humour vous permet-il de créer une complicité avec public ?

Oui, l’humour fédère. J’utiliserais plutôt le terme de malice. Être malicieux, c’est se dénoncer tout en étant rigoureux. Il faut manier la malice avec énormément de sérieux et croire au drame qu’il y a sous la farce, pour pouvoir s’en amuser. S’il n’y a pas de drame, la fable perd de son importance et la malice n’a plus aucune raison d’être comme échappatoire ou comme outil de conversion de la réalité.

Adrien Barazzone dans “La Politique du pire”©Rebecca Cosne

Dans La Politique du pire, vous incarnez plusieurs personnages mais finalement, 1 seul homme prend la parole pour défendre des points de vue antagonistes.

Un seul acteur incarne le dialogue républicain, ce qui peut sembler complètement absurde. C’est mission impossible. In fine, un réseau de sens se tisse. Le spectateur voir un homme seul à la tribune, comme ces dictateurs qui prennent toute la place.

Lorsque je mets en scène, je propose une idée. Les comédiens la reçoivent et même s’ielles n’ont pas envie, ils font preuve d’énormément de bonne volonté pour l’éprouver au plateau. Pour ce solo que je conçois et interprète, j’ai les réflexes de tout comédien qui a tendance à se dire que les idées de mise en scène, les miennes en l’occurence, ne sont pas terribles. Or, je ne dois rien censurer a priori, sinon je m’éteins. Je dois engager les action-réaction tout seul (rire).

Comme évoqué plus tôt dans notre discussion, mon plus grand ennemi est moi-même. La confiance n’est pas un vain. Elle se conquiert tous les jours. Tout comme le courage ne se stocke pas, la confiance ne se capitalise pas non plus. Un jour tu es euphorique parce que tu as réussi une audition mais le lendemain tu es à nouveau insécure. La confiance est si fragile.

Quelle est le plaisir que vous placez sur la 1ère marche de votre podium ?

Faire les rire les gens est ce qui me procure le plus de joie, que ce soit sur scène ou dans la vie. J’aime aussi que les acteurs me fassent rire quand je mets en scène. J’adore cette forme d’intelligence qui consiste à dire une chose en déplaçant le contexte pour provoquer un télescopage de sens ou un décalage. Dire et provoquer le déplacement, se fait simultanément. Faire rire, c’est transformer quelque chose, comme la poésie. L’humour est un trait d’esprit. Souvent, on ignore ce qui l’a déclenché car il est le résultat d’une convergence d’éléments réunis à un moment précis. C’est cette complexité qui le rend difficile à retrouver. Le rire est une récompense. Comme un animal, tu te prépares à recevoir ta récompense mais à chaque représentation, il faut partir à la rencontre de nouveaux spectateur.ice.s.

* La Manufacture-HETSR : Haute École de Théâtre de Suisse Romande, basée à Lausanne

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