Y a-t-il des conditions particulières pour réussir à créer la magie théâtrale et continuer à faire rêver les spectateur.trice.s dans la durée, ou suffit-il simplement d’y croire ?

Contrairement à certaines représentations qui associent parfois le métier d’artiste à un parcours atypique ou autodidacte, l'enquête révèle un secteur fortement professionnalisé, où les compétences acquises dans les écoles spécialisées, les hautes écoles et les expériences de terrain occupent une place importante. Dans un contexte où les professionnel.le.s de la création sont de plus en plus poussé.e.s vers l’indépendance, le statut de porteur.euse de projet prend une importance croissante. Pour réussir à créer son propre collectif ou sa troupe, il faut de bonnes connaissances transversales afin de réussir à naviguer dans le système de demande de subventionnement.

© Frédéric Christin

Le paradoxe d'un métier passion

Les résultats montrent que le revenu brut annuel médian provenant des arts vivants se situe autour de 35'000 francs par année (pour une période de 2023 à 2025). Pour de nombreuses personnes interrogées, ces revenus apparaissent relativement modestes au regard du niveau de qualification requis, du temps investi dans la création et de l'engagement nécessaire à la poursuite d'une carrière artistique.

Graphique des revenus médians annuels bruts des répondant.e.s provenant des arts vivants entre 2022 et 2025

Ce résultat constitue sans doute l'un des enseignements les plus frappants de l'étude. Dans de nombreux secteurs professionnels, une rémunération faible ou une forte instabilité conduisent fréquemment à des réorientations de carrière. Les arts vivants semblent obéir à une logique passablement différente pour ceux et celles qui prennent la décision de rester dans ce domaine d’activité. Cependant, en contactant des personnes diplômées des hautes écoles de théâtre de Suisse romande, je me suis quand même rendu compte qu’une partie des personnes formées finissent par changer de voie professionnelle.

Les entretiens réalisés dans le cadre du mémoire permettent de mieux comprendre les motivations à rester actif.ve dans les arts vivants. Plusieurs artistes décrivent leur activité non seulement comme un métier, mais également comme une vocation, un besoin d'expression ou une manière d'habiter le monde. Pour beaucoup, abandonner la création artistique ne représente pas simplement un changement professionnel ; cela reviendrait à renoncer à une partie importante de leur identité. L’une des répondantes a déclaré : « Abandonner les arts vivants serait un crève-cœur, mais je devrais être plus raisonnable.». Cette citation met en évidence les difficultés structurelles des professionnel.le.s de la création qui peuvent amener à un questionnement sur ce métier. Néanmoins, la passion et le plaisir de la scène restent des motivations fortes pour rester actif.ve dans ce domaine.

La pluriactivité : exception ou norme ?

L'image de l'artiste exerçant une seule activité apparaît largement éloignée de la réalité observée dans cette enquête. Près des deux tiers des répondant.e.s déclarent cumuler plusieurs fonctions au sein même des arts vivants. Une personne peut ainsi être simultanément comédienne, metteuse en scène, pédagogue, administratrice ou responsable de production selon les projets auxquels elle participe.

Cette polyvalence constitue une caractéristique importante du secteur. Elle permet de multiplier les opportunités professionnelles, de diversifier les revenus et de maintenir une activité relativement régulière malgré la nature souvent discontinue des contrats artistiques. Mais la pluriactivité dépasse largement le seul cadre des arts vivants.

De nombreuses personnes interrogées exercent également des activités complémentaires dans d'autres domaines. L'enseignement, la médiation culturelle, le travail administratif, la formation, l'animation ou encore différents emplois temporaires constituent autant de ressources mobilisées pour compléter les revenus issus de la création. Les activités exercées en dehors des arts vivants doivent néanmoins rester compatibles avec les exigences de flexibilité et de disponibilité propres au secteur.

Les entretiens montrent que ces activités complémentaires ne sont pas toujours vécues comme une contrainte. Certaines permettent de développer de nouvelles compétences, de maintenir un lien avec d'autres publics ou de bénéficier d'une plus grande stabilité financière. Cependant, elles traduisent également une réalité économique : pour une partie importante des artistes, les revenus issus de la création seule ne suffisent pas à assurer l'ensemble des besoins financiers. Le plus gros problème est l’instabilité des revenus de la branche.

L'idée romantique de l'artiste entièrement consacré à son œuvre correspond donc rarement aux trajectoires observées. Les parcours apparaissent davantage comme des équilibres complexes entre différentes activités, différentes sources de revenus et différents espaces professionnels. Pouvoir rester dans ce domaine, c’est avant tout un savant équilibre afin de pérenniser sa situation professionnelle.

Des inégalités qui traversent également les arts vivants

L'enquête met également en évidence certaines différences importantes entre groupes d'artistes.

L'âge semble notamment jouer un rôle significatif. Les revenus moyens augmentent progressivement au fil de la carrière. Les jeunes artistes apparaissent particulièrement exposé.e.s aux difficultés économiques durant les premières années suivant leur formation.

Cette situation peut s'expliquer par plusieurs facteurs : construction progressive du réseau professionnel, accumulation d'expérience, reconnaissance croissante dans le milieu ou accès à des responsabilités artistiques plus importantes.

Les résultats révèlent également des différences entre femmes et hommes. Les femmes interrogées déclarent des revenus médians inférieurs à ceux des hommes.

Cette recherche ne permet pas d'identifier précisément les mécanismes à l'origine de cet écart. Néanmoins, ce constat rejoint des observations déjà formulées dans d'autres travaux consacrés au monde culturel et aux inégalités professionnelles. Ces résultats, qui apparaissent également dans d’autres recherches et rapports, rappellent que les arts vivants ne constituent pas un univers isolé des dynamiques sociales plus larges. Les inégalités observées dans d'autres secteurs d'activité peuvent également s'y manifester, parfois sous des formes spécifiques. Le monde culturel, sous les apparences d’un univers égalitaire, répond souvent à des logiques de fonctionnement relativement verticales.

Les réseaux : une ressource essentielle

Parmi tous les résultats de l'enquête et des entretiens, la question des réseaux professionnels apparaît comme l'une des plus importantes. Près de 97 % des répondant.e.s considèrent que le réseau joue un rôle important ou très important dans la poursuite d'une carrière artistique.

Ce chiffre impressionnant témoigne d'une réalité largement partagée au sein du secteur. Les entretiens montrent que les auditions ouvertes occupent aujourd'hui une place relativement limitée dans certains domaines des arts vivants. Les collaborations se construisent souvent à partir de relations développées au fil du temps, de recommandations, d'expériences communes ou de rencontres réalisées lors de projets précédents.

La confiance apparaît comme un élément central. Les équipes artistiques travaillent fréquemment dans des contextes exigeants, avec des budgets limités et des délais parfois serrés. Dans ce cadre, connaître les personnes avec lesquelles on collabore constitue un avantage important.

Cette logique relationnelle n'est pas propre aux arts vivants. De nombreux secteurs professionnels fonctionnent également sur la base de réseaux. Toutefois, elle semble particulièrement marquée dans un univers caractérisé par des contrats de courte durée et des opportunités d'emploi souvent informelles.

Pour les jeunes diplômé.e.s ou les personnes nouvellement arrivées dans le secteur, cette importance des réseaux peut représenter un défi supplémentaire. Construire progressivement des relations professionnelles devient alors une étape essentielle du développement de carrière.

Les mécanismes invisibles qui soutiennent la création

L'un des apports majeurs de cette recherche consiste à mettre en lumière des ressources souvent peu visibles dans les représentations publiques du travail artistique.

Parmi les répondant.e.s, près des deux tiers déclarent avoir bénéficié de l'assurance-chômage au cours des dernières années. D'autres mentionnent l'importance d'activités complémentaires, du soutien familial ou encore des dispositifs de soutien public à la culture.

Ces mécanismes ne constituent pas des réalités périphériques. Ils participent directement aux conditions de possibilité de la création artistique.

Les subventions permettent à de nombreux projets d'exister malgré leur rentabilité économique limitée. L'assurance-chômage joue un rôle d'amortisseur face à l'irrégularité des engagements. Les activités complémentaires offrent une stabilité financière partielle. Les proches peuvent parfois fournir un soutien matériel ou émotionnel essentiel dans les périodes d'incertitude.

L'étude invite ainsi à dépasser une vision individualisée de la réussite artistique. Les trajectoires professionnelles observées ne reposent pas uniquement sur le talent ou la motivation individuelle. Elles dépendent également de ressources collectives, institutionnelles et relationnelles qui contribuent à rendre la création possible.

Au-delà du mythe du talent

L'un des principaux enseignements de cette recherche consiste peut-être à remettre en question certaines représentations simplifiées des carrières artistiques.

Les discours publics mettent souvent l'accent sur le talent individuel, la créativité ou la réussite personnelle. Ces dimensions sont évidemment importantes. Cependant, les résultats montrent qu'elles ne suffisent pas à expliquer les trajectoires observées.

Construire une carrière dans les arts vivants implique également de développer un réseau professionnel, d'apprendre à naviguer dans des dispositifs institutionnels complexes, de diversifier ses activités, de rechercher des financements et de s'adapter à des conditions de travail souvent changeantes. Autrement dit, le talent constitue une condition nécessaire, mais rarement suffisante.

Cette observation ne diminue en rien la valeur du travail artistique. Au contraire, elle permet de mieux reconnaître l'ensemble des compétences, des stratégies et des efforts mobilisés par les professionnel.le.s du secteur.