Bienvenue dans la 4e dimension de Lucas Savioz!

Nous ne disparaîtrons pas... On achève bien les oiseaux... Partir... Mis bout à bout, les titres des spectacles dans lesquels je l’ai vu jouer composent une comptine métaphysique.
Aussi juvénile soit-il, Lucas porte en lui la gravité des pensifs. Son chantier intérieur le mobilise jusque sur le plateau, comme une vie parallèle à mener de front. Dedans, ça bouillonne et teinte le dehors d’un léger voile introspectif, parce que Lucas est dedans et dehors en même temps. Cette énergie quantique marque son style de jeu, qui se singularise par une qualité de présence entre évanescence et frontalité. Ange déchu, tout droit tombé des cintres, il dévie - par la concentration du regard, la charge de la parole et la mobilisation du corps – le déroulé réaliste du temps.
Quel que soit le répertoire, il ne cesse jamais d’être un acteur en travail, un rôle en construction. En quête de personnages peut-être, mais jamais confondu avec eux, il agence dans cette distance son espace d’interprétation.
Faire pour comprendre, éprouver concrètement l’effet des textes, opter pour une dynamique performative plutôt que performante, Lucas préfère traverser les paysages et se confronter aux imprévus de la topographie plutôt que de collectionner les jolies cartes postales.
Pour l’heure, je retrouve Lucas à sa descente du train de Vevey, pour une balade rétrofuturiste.

Quel(s) événement(s) passé(s) ont inspiré votre carrière actuelle ?

- Cela s’est fait un peu par élimination... même si je prenais des cours de théâtre en amateur comme loisir et que j’ai passé une maturité en arts visuels, l’art n’était pas très présent jusqu’à la fin de ma scolarité. Après le gymnase*, j’ai ressenti le besoin de m’orienter dans une voie qui ferait sens. J’ai pas mal tâtonné. J’ai d’abord entamé la sociologie et la philosophie à l’université mais les études purement théoriques ne me convenaient pas. Le dessin était ma soupape. J’ai intégré l’ÉCAV (ndlr: École Cantonale d’Art du Valais située à Sierre) à 22 ans. Rebelote, j’ai rapidement constaté un décalage. Mes camarades semblaient savoir pourquoi ils étaient là et s’affirmaient en tant qu’artistes. On attendait de moi que je m’affirme aussi mais c’était difficile ; je me sentais illégitime. J’avais l’impression d’être un imposteur qui fait de petits dessins abstraits à l’encre de Chine et à l’aquarelle. Nous mettions en lien ce que nous faisions avec ce qui avait déjà été fait, en nous référant à l’histoire de l’art. Le constat est vertigineux : tout a déjà été fait ! Bien sûr, tout peut être refait, contredit, nuancé. C’est ce jeu-là qui fait l’art contemporain. C’est un jeu d’échecs qui, par rapport à mon exigence de vérité, me semblait un peu stérile et très cérébral. La première année de l’ÉCAV permet de survoler différents mediums, dont la performance. Gaspard Buma était l’un des intervenants dans cette discipline. Un jour, il nous a demandé de réaliser un happening avec pour consigne quelque chose comme « la transgression d’une norme sociale sous forme d’engagement physique dans l’espace public ». Ce happening m’a permis de faire le lien avec ma pratique de théâtre mais aussi avec la sociologie et la philo. Tout ce que j’avais effleuré auparavant convergeait dans la coprésence avec des personnes qui regardent un acte. Mes envies se sont clarifiées. À ce même moment, j’ai assisté à la présentation publique d’une sortie d’atelier à la Manufacture*, résultat du travail mené par Philippe Saire avec les élèves de la promotion F. Ce fut comme une révélation. J’avais envie d’être à la place de ces gens sur scène ! J’ai enchaîné une année de Conservatoire à Genève, puis une autre à Lyon avant d’entrer à la Manufacture.
J’y ai rencontré Oscar Gomaz Mata dont l’enseignement s’est révélé crucial. Il m’a permis de découvrir ce rapport au public inédit qui fait sa marque de fabrique. Non seulement il casse le 4e mur mais il considère vraiment le public comme un partenaire de jeu. Pendant les cours, nous observions beaucoup les autres élèves jouer. Ainsi, nous prenions conscience que nos réactions de spectateur participent pleinement à ce qu’il se passe et laissent des traces au plateau. Face au public constitué d’anonymes, le comédien recherche ces espaces de connexions, ces confrontations. Oscar nous a appris comment notre partition de jeu, exécutée dans le présent de l’échange avec le public, peut se modifier à son contact et comment se déculpabiliser vis-à-vis de l’erreur. L’acteur peut suivre la trame attendue de la partition, tout en gardant ouverts les « à côté » qui, par définition, ne sont jamais à côté mais plutôt des leviers pour mieux revenir à la partition. En assumant pleinement les dérives de l’erreur, l’interprète gagne en force et en vie. Il n’y a que moi, interprète, qui sais que je fais une erreur. Si je l’approfondis et la creuse, je gagne en présence.
À la Manufacture, j’ai également rencontré Géraldine Chollet qui m’a accompagné dans mon solo de sortie, intitulé Confession. Elle m’a permis de m’assumer dans une veine ... « art brut » ou... art-thérapie (rires). Géraldine m’a aidé à franchir cette étape fondamentale puis m’a encouragé dans ce champ. Elle m’a donné les outils et la confiance pour me libérer de mon rapport complexé au corps, me libérer de l’idée de performance par le corps et enfin me libérer de la conviction de mon incapacité à y répondre. Elle m’a appris à me convaincre que « ce sera toujours juste si tu es sur scène et que tu es toi ». Cet aveu, ce dénuement, ce vide m’ont permis de toucher un endroit de vérité qui m’accompagne encore aujourd’hui. Il fallait assumer pleinement, sortir de l’efficacité théâtrale, sortir de la performativité pour aller vers la performance. J’ai des réserves sur le résultat artistique de Confession mais ce travail m’a permis de toucher le degré zéro du jeu.
J’étais entré à la Manufacture comme à l’ÉCAV, convaincu que j’allais emmagasiner des « trucs », devenir quelqu’un d’autre. C’est tout l’inverse qui s’est produit. Géraldine m’a également aidé à assumer d’entrer en scène pour y dire mon texte. Accepter que ; c’est moi qui ai écrit ce qui va se dire. Mais qui je suis pour venir parler du monde ? Quelle est ma légitimité ? Être un peu un "metteur en scène" me plongeait dans une totale anxiété, réveillant mon sentiment d’illégitimité, d’être prétendument artiste. Géraldine a assoupli mon rapport à la tentative et m’a conduit à juste faire, sans me sentir responsable de l’état du monde.

Comment définiriez-vous ce que vous faites lorsque vous êtes en scène?

- Ma façon d’envisager mon métier de comédien pourrait s’apparenter à une forme d’existentialisme appliqué à une méthode de jeu ; « je fais d’abord et je serai après ». Encore une fois, c’est un endroit de recherche de vérité par l’artifice. Il y a artifice et convention, mais comme spectateurs et acteurs sont d’accord sur ce code, une authenticité se dévoile là, au-delà des mots. Une vérité que je ne retrouve pas, ou rarement, dans la vie. Au théâtre, les mots ne sont pas intéressés ; ils n’ont pas de fonction sociale ou professionnelle. Ils n’ont pas la fonction de représentation de soi. La fiction permet de se décharger des apparences. Cela peut sembler paradoxal car tout est faux, sauf la présence qui permet d’instaurer ce rapport particulier à la parole. Je conserve, malgré moi, une sorte de pudeur et de distance dans la parole, que je ne parviens jamais à supprimer complètement. Ce sont toujours les mots d’un autre qui me traversent.

Sur scène ou dans la vie?

- Sur scène particulièrement mais dans la vie aussi. Dans la vie, j’ai souvent l’impression de dire les mots comme s’il s’agissait de ceux d’un autre, et c’est frustrant. Cette frustration me motive à en dire d’autres pour préciser mais c’est souvent voué à l’échec. L’exigence d’exhaustivité se heurte aux limites du langage. Vouloir vraiment se comprendre semble vain.
Dans ma quête de vérité, la lecture d’Un homme qui dort de Georges Pérec a été un évènement littéraire et un bouleversement personnel majeur. À l’époque j’ai 22-23 ans et ce récit résonne avec ce que je ressens. Qu’est-ce que je fais là ? À quoi bon suivre la marche qu’on a écrite pour moi dès mon plus jeune âge ? Je vis dans une sorte de matrice où tout est déjà en place ; je vois tous les rôles qui m’attendent dans ma vie. Je ne fais que suivre machinalement une grande partition écrite à l’avance. Oh les beaux jours de Beckett, pièce vue à Paris, est un autre choc littéraire et existentiel. Cette vieille dame à moitié ensevelie, son courage, son optimisme, son humanité et même la joie qu’elle trouve dans le néant m’avaient profondément ému. Cela a contribué à me donner du courage pour ne pas me contenter du minimum, faire de vrais choix et prendre des risques. Le premier risque consistant à faire une école d’arts visuels. Ensuite, le choix relativement tardif du théâtre, puisque j’ai 23 ans, m’a permis de me sentir à l’endroit juste.